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Ene
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En defensa de los artistas.

Hice una pregunta hace ratito en tuiter, acerca de la Hermosa dicotomía que son las parejas dibujante/escritor en los comics. ¿Quién es más importante para el trabajo en conjunto? Nada de salirse por la tangente y decir que el editor, el público, el ejecutivo de ventas o que los dos en sus respectivas áreas. Simple y llanamente, cual es el más importante.

  Me esperaba que la gran mayoría me dijera que el escritor era más importante. Lo que no me esperaba es que ABSOLUTAMENTE TODOS LOS QUE ME CONTESTARON, incluso la gente que dibuja, me dijera que el escritor es el más importante del dueto. Me sorprendió bastante. Y es algo que me he puesto a pensar en tiempos de ocio extremo, esa visión tan rara que tiene la gente de los dibujantes en las duplas, vistos como herramientas con la única misión de llevar a cabo la visión que tenga el autor. Es una visión que ya esta muy metida dentro de la sociedad. El escritor es el de las ideas, el dibujante es el que debe llevarlas a cabo. Esto lleva a la idea de que en este proceso, el dibujante es perfectamente intercambiable.

  ¿Watchmen se pudo haber hecho sin Gibbons? Probablemente. Sandman tuvo un desfile gigantesco de artistas, al igual que Hellboy. DEATH NOTE es un manga GORE PSICOLÓGICO con TRAMA PROFUNDA, así que probablemente, si tuviera algún fan con cerebro, se podría argumentar que tendría la mayoría de su valor aunque lo hubiera dibujado otra persona. Tenemos esa idea de que los artistas con cosas reemplazables en la mayoría de los casos. Lo que importan son las ideas.

  Ahora bien, cuando hice la pregunta, di por hecho que se entendía que el trabajo tenía que ser con las dos personas. Cuando argumentaban porque el escritor era lo más importante, se decía que era el que hacía más soportable las cosas. Un dibujo feo se podía aguantar si tenía una buena historia. El contrario no. Un dibujo bonito se volvía algo vacuo e insípido con una historia mala o mediocre.

  Ahora bien, mi argumento, mi tesis aquí, es que lo aguantable, lo soportable, no es lo principal en una obra de arte, en una historia. Dejen lo soportable para las cosas en las que la tediosidad están implícitas. No hablamos de un pinche libre de texto, no hablamos de un trabajo necesario, hablamos de algo que se lee por gusto para disfrutar. Nadie debería decir UGH, TENGO QUE LEER EL NUEVO X-FORCE o AY NO PORQUE, YA ES HORA DE QUE LEA NARUTO, CREO QUE MEJOR LLAMO Y DIGO QUE ME SIENTO MAL. Nadie debería, pero muchas veces los fans suenan justamente de esa manera.

  No voy a intentar argumentar que sea mentira que una historia buena con arte malo sea más interesante que una historia mala con arte bueno. No. Pero véanlo de esta forma. La historia en el comic es la que lo lleva de lo insoportable, a lo soportable. De lo inaguantable a lo interesante. El arte es el que lo debe de subir de esa posición en adelante. Haciendo una metáfora deportiva, no importa que tengas un equipo sólido de futbol si nunca anotas, porque anotando se ganan los juegos. Una historia con mal arte en el comic/manga es alguna novela que se perdió y se equivoco de medio en el que nacer. Y probablemente sea más interesante leer un libro que ver una pintura, pero en el medio gráfico de la historieta, los dos DEBEN de estar ahí.

  Saben que Morrison es santo de mi devoción. Lo adoro como ídolo pagano y hago rituales arcanos por él. Flex Mentallo, Filth, Doom Patrol, Seven Soldiers, All Star Superman Todos me pudieron haber gustado con otros dibujantes. ¿Por qué no? Son historias excelentes con grandiosas ideas. Pero sé que sin Frank Quitely, sin J. H. Williams III y sin demás gente por el estilo, estas historias no serían TAN de mi agrado. No hago menos a Grant, nunca haría eso, su carrera habla por si sola con sus aciertos. No solo dejo lo escrito en lo aguantable, sino que se excedió, y además su sinergización con algunos de sus artistas es super palpable. Pero en cuestión de obras en el singular, en el producto acabado, no viendo su carrera, son los artistas los que llevaron sus obras al nivel en el que están ahora. Es el artista el que lo termino plasmando.

  Pongamos otro ejemplo contrario. Millar. Mark Millar. Aborrezco al tipo, pero escribe decentemente bien. Mediocre tirandole a decente, más bien. Algo aceptable. Millar hizo lo minimo posible para que lo que él hace llegue al campo de lo soportable, del que ya hablamos antes. Ya hizo su papel de escritor, dejo el campo del tedio y entro a lo entretenido, a lo interesante. ¿Si Leinil Yu no hubiera dibujado Superior, me gustaría tanto? No. Para nada.Y Leinil Yu podra trabajar con puro escritor mediocre o lo que sea y nunca volver a sacar algo que me interesé, pero hizo Superior lo que Superior es.

  Una última metáfora, para terminar. Imaginemos árboles. Ustedes saben, esas plantas cúl que crecen y toda la madre. Los escritores son el tipo de planta, los que le dan la firmeza al tronco, la altura, etc… Lo que hace al árbol ser árbol y que no se de en la madre contra el suelo. Y digamos que te gustan las secoyas o cualquier tipo de especie de árbol. Y puedes ver una secoya que no tenía un tronco firme y se cayo, y pos meh. Puedes ver una secoya firme y grande, medio pelona y olorosa, pero secoya al fin y al cabo, y te puede gustar. Es una secoya, te gustan las secoyas. Y luego puedes ver una secoya en el lugar correcto, en el momento correcto, con la forma de las ramas, el olor, el color, todo lo demás. Y puedes decir: “Madres, esa secoya es una pinche chingonería”. Eso, amigos, es el trabajo del dibujante.


3 Responses to “En defensa de los artistas.”


  1. 23 enero, 2012 en 10:26 pm

    Todo lo que tengo que decir al respecto.

  2. 3 hikaru666
    24 enero, 2012 en 12:52 pm

    Me agrado el punto que pones e incluso concuerdo en la progresión con la que debe de luchar este medio. Aun qué, para mi, los dos lados son importantes. En los 90’s por hacer una especie de ejemplo y aunque tuviese cinco años te podria decir que todo estaba dibujado bien chingon, pero escrito con las patas. Pocas historias se salvaban, pero creo que en ese momento lo que más te llamaba la atención era el dibujo de Jim Lee que en vez de la trama que se suponía proponían algunos escritores como Rob Liefield en Heroes Reborn.

    En el sentido del dibujante-escritor, uno es igual de importante que el otro o así yo lo veo, por el grado en el que el dibujante debe de contextualizar la acción del personaje que marca el escritor. Que si el wey esta de cabeza pensando en la particula del mundo oscuro bla bla bla, lo pones de cabeza o si tiene algun punto medio. Incluso pareciese que estoy viendo una película o un cacho de un programa. Con el paso del tiempo y se ha visto que en algunos casos, que, si el escritor tambien es dibujante, puede hacer una gran pieza. Porque implicitamente tenemos la idea de que el ya sabe que es lo que va a hacer y como lo va a poner. Pero Tony S daniel o el mismo Rob Liefield a veces son cosas que uno no espera. Jeff lemire es muy bueno y lo admiro por el trabajo que hace en Sweet tooth y the nobody más que con otros comics, eso si tiene una especie de dibujo tipo acartonado que parece que vez ed edd y eddy.

    Ahora con la mayoria de avances “tecnologicos” si lo ponemos así, podemos ver buenas obras. John Romita Jr. es el perfecto ejemplo, aunque a veces pasan más de un punto light a uno mas hardcore.

    Muy buena critica.

    Saludos.


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